Purcell in neuem Gewand
Anlässlich der Aufführung von Masque of Might an der Opera North reflektiert Nicholas Payne über die jüngsten Produktionen, die Henry Purcells Werk auf neuartige Weise auf die Bühne bringen.
Die meiste weltliche Musik, die in dem Jahrhundert zwischen der englischen Restauration und der Französischen Revolution komponiert wurde, geht auf Tänze zurück: Das Leben wird in Gavottes, Gigues, Menuetten und Sarabanden gemessen. Mark Morris, der musikalischste unter den zeitgenössischen Choreographen, hat sich natürlich von dieser Zeit inspirieren lassen. Bach, Rameau, Händel, Gluck und Mozart sind seine Lieblingskomponisten, doch sagte er mir einmal, dass er den Engländer Henry Purcell über alles liebt. Sein Vermächtnis in der Oper ist jedoch spärlich.
Purcells Indian Queen ist ein exotisches und schwer fassbares Kuriosum, ein im späten 17. Jahrhundert komponiertes Drama über einen Konflikt im abgelegenen Lateinamerika des 16. Jahrhunderts, das auch heute noch in den postkolonialen Studien eine Rolle spielt. Hinzu kommt, dass Purcell unerwartet jung im Alter von 36 Jahren starb, ohne das Werk vollendet zu haben, und so wird es zu einem verlockenden, substanzlosen Eldorado, das verfolgt werden will, aber nie ganz zu fassen ist.
Purcell ist der Vater der englischen Oper und gleichzeitig der Grund, warum sie sich nie entwickelt hat. Seine einzige vollständige "Oper" Dido and Aeneas ist ein Meisterwerk, aber ein Kammermusikwerk, das nicht länger als eine Stunde dauert und für eine halbprivate Aufführung vorgesehen war. Seine aufwändigeren Werke für größere Bühnen - Dioclesian, King Arthur, The Fairy Queen und The Indian Queen - wurden als "Semi-Opern" bezeichnet, in denen die Musik eine Nebenrolle spielt und das gesprochene Stück durch instrumentale, vokale und getanzte Divertissements ergänzt wird. Sie wurden im Dorset Garden Theatre und im Theatre Royal Drury Lane kunstvoll inszeniert und sind möglicherweise die Vorläufer des populären Musicals und nicht der rareren Oper.
(Porträt) Henry Purcell im Jahr 1695, gemalt von John Closterman
Trotz Purcells stets einfallsreicher Musik erfordern die Semi-Opern Phantasie und Mühe, um sie auf der Bühne lebendig werden zu lassen. Die Fairy Queen profitiert von einer bekannten Handlung aus Shakespeares Sommernachtstraum, leidet aber unter der Verschlimmbesserung des Textes durch die Adaption aus dem späten 17. Im Gegensatz dazu ist der Hauptautor der Stücke King Arthur und The Indian Queen John Dryden, der bedeutendste Dichter seiner Zeit, und ihre Sprache ist oft großartig. Dass der altmodische Patriotismus von King Arthur auch heute noch begeistern kann, zeigte die Inszenierung zum dreihundertsten Geburtstag von William Christie und Graham Vick für das Théâtre du Châtelet und das Royal Opera House Covent Garden im Jahr 1995. Die Aufführung mit dem vollständigen Text und ausgeklügelten szenischen Effekten dauerte vier Stunden. Wie ich damals im Programmheft schrieb, handelte es sich um ein "historisches Gemeinschaftsprojekt. King Arthur zelebriert Großbritannien. Diese neue Inszenierung zelebriert, bis hin zu den Reisen des Ensembles mit dem Eurostar, auch die neu entdeckten Beziehungen Großbritanniens zu Frankreich". Es war eine glückliche Ironie, dass Purcells offenkundigste englische Oper auch diejenige ist, die am meisten französischen musikalischen Einflüssen verpflichtet ist, insbesondere dem Beispiel von Lully. Wir hatten das Vergnügen, die wunderbare Sopranistin Véronique Gens zu engagieren, um das ikonische "Fairest isle, all isles excelling" zu singen, das Großbritannien lobpreist.
The Indian Queen widersetzt sich einer ähnlichen Vorgehensweise, vor allem weil Henry Purcell starb, bevor er sein Werk vollenden konnte, und die später von seinem jüngeren Bruder Daniel und anderen komponierte Musik unterlegen ist, was zu einem unbefriedigenden letzten Akt führt. Zweitens: Was ist von einer Handlung zu halten, die Mexiko neben Peru ansiedelt und schwindelerregende Loyalitätswechsel der Hauptfigur Montezuma vorsieht? Wenn schon Drydens utopische Vision von Britannien schwer zu vermitteln ist, wie viel weiter entfernt sind dann die Motivationen und Machenschaften seiner Figuren aus einer anderen Zeit und einem anderen Kontinent. Wer sich der Herausforderung stellt, hat die Aufgabe, sowohl das Drama als auch die Musik zu rekonstruieren. Das erfordert einige gestalterische Entscheidungen.
In den letzten zehn Jahren wurden zwei unterschiedliche, aber phantasievolle Versuche unternommen. Teodor Currentzis und Peter Sellars taten sich 2013 in Perm für ihre Version zusammen, die anschließend am Teatro Real in Madrid und an der English National Opera in London aufgeführt wurde. Emmanuelle Haïm und Guy Cassiers brachten ihre Version 2019 an der Opéra de Lille auf die Bühne und 2023 an die Opera Vlaanderen in Antwerpen.
Sellars war seit zwanzig Jahren von der Indian Queen besessen. Ich erinnere mich an ein Gespräch mit ihm bei einem Essen im Restaurant Triangel in der Nähe des Großen Festspielhauses in Salzburg im Jahr 1994 und an seine Überzeugung, dass das Herzstück der Geschichte die Vergebung der titelgebenden Königin gegenüber den Invasoren ist, die sie und ihr Land verraten haben. So ist es nur folgerichtig, dass seine Version in diesem Sommer endlich die Salzburger Felsenreitschule erreicht, wenn auch in konzertanter Form. Um eine indigenere Maya-Gemeinschaft zu schaffen, ergänzte er Drydens Text mit neuem Material von Katherine Philips und Textstellen aus dem Roman La niña blanca y los pájaros sin pies von Rosario Aguilar sowie mit Gedichten von George Herbert aus dem 17. Jahrhundert. Er bereicherte die überlieferte Musik mit anderen weltlichen Liedern von Purcell, wie z. B. Music for a while, und, noch radikaler, mit fünf der komplexesten und tiefgründigsten Hymnen des Komponisten, die auf biblischen Texten basieren. Sein Ziel war es, die abendfüllende Oper zum Leben zu erwecken, die Purcell nie geschrieben hat, die von Dido and Aeneas versprochene, aber zu seinen Lebzeiten nie realisierte Entwicklung. Als diese Oper in Madrid aufgeführt wurde, brachten Currentzis und seine Music Aeterna-Truppe auch eine lebendige halbszenische Inszenierung von Dido als Pendant dazu.
Die Sellars/Currentzis Indian Queen erhebt nicht den Anspruch, authentisch zu sein. Es entdeckte die Schale eines unvollendeten Werks wieder und füllte sie mit glorreicher Musik und einer zeitgenössischen politischen Relevanz, die sich die ursprünglichen Schöpfer nicht vorstellen konnten. Seine Botschaft war in Spanien aufgrund der Geschichte der Ausbeutung des südamerikanischen Kontinents durch die spanischen Eroberer besonders aufschlussreich.
Haïm und Cassiers wählten einen weniger radikalen Ansatz, aber das Ergebnis war ebenso gewagt. Wie Christie und Vick bei King Arthur riskierten sie die Wiederbelebung des alten Stücks und setzten dafür gute englische Schauspieler ein, die ihre natürliche physische Präsenz durch beeindruckende Foto- und Videobilder unterstrichen. Die Sänger:innen traten für die Gesangsnummern aus diesem Hintergrund hervor, wobei sie gelegentlich eine Rolle übernahmen, wie z. B. Montezumas Mutter Amexia, aber häufiger als Kommentatoren oder Figuren auftraten, die vom Zauberer Ismeron beschworen wurden, um den Traum der Königin Zempoalla am Ende des dritten Aktes zu bevölkern. Die Gefahr dieses Ansatzes besteht darin, dass es Passagen gibt, insbesondere in den ersten beiden Akten, in denen die Musik nur eine Nebenrolle in einem Drama spielt, dessen Anliegen einem modernen Opernpublikum vielleicht fern erscheint. Doch als die Königin im 3. Akt von ihren Ängsten heimgesucht wird und ihrem Traum erliegt, ist die Wirkung der anonymen Stimmen überwältigend und hypnotisierend.
Die Akte 4 und 5 sind stärker von importiertem Material abhängig, wodurch die musikalische Qualität aufrechterhalten und die minderwertige Daniel-Purcell-Maskerade des fünften Akts vermieden werden soll. Haïms Auswahl ist unfehlbar. Es gibt einen magischen Moment zu Beginn des 4. Aktes und nach einer eingeschobenen Melodie aus Purcells Bühnenmusik zu The Tempest, als der Sopran, der Amexia verkörpern wird, die Zeit anhält, um "So when will glitt'ring Queen of night" aus dem Yorkshire Feast Song zu singen. Der 5. Akt ist dann die Krönung des Stücks. Die Rivalität zwischen Montezuma und dem verstoßenen mexikanischen Prinzen Acacis um die Inka-Tochter Orazia gipfelt im Selbstmord des letzteren, dem der seiner Mutter, der indianischen Königin Zempoalla, folgen wird. Aus der Tragödie erwachsen Heilung und Liebe, und die ehemalige Königin Amexia führt die Fäden mit dem erhabenen "A prince of glorious race" aus Purcells Ode zum Geburtstag des Herzogs von Gloucester zusammen. Damit die Verwandlung nicht zu leichtfertig erscheint, singt der Chor anschließend das elegische "Man that is born of woman has a short time to live" aus der Music for the Funeral of Queen Mary. Um schließlich mit einem Lächeln in die Gegenwart zurückzukehren, fordert der Schauspieler, der den Inka-König spielt, das Publikum auf, in Anlehnung an Pucks Epilog im Sommernachtstraum seine Wertschätzung zu bekunden.
Für einen Engländer war es beeindruckend, an dieser französischen und belgischen Hommage an unseren größten Komponisten teilzuhaben. Die sorgfältige Neuinterpretation und Verkleidung eines 325 Jahre alten Torsos sollte eigentlich in Großbritannien zu sehen sein. In der Zwischenzeit haben David Pountney und Harry Bicket eine Show mit dem Titel Masque of Might entwickelt (für Opera North und als Stream auf OperaVision), die acht Nummern aus der Indian Queen sowie weitere aus der Semi-Opera Dioclesian und der Bühnenmusik zu The Tempest sowie das wunderschöne "O, let me weep" aus The Fairy Queen aufgreift und mit der Ouvertüre zu Timon of Athens beginnt.
Pountney nutzt sein Können als Librettist, um eine Erzählung zu gestalten, die zeitgenössische politische, ökologische und ethische Themen in einem Format aufgreift, das an die Maskeraden der Restauration erinnert, eine fröhliche Mischung aus Gesang, Tanz und Spektakel, die sowohl der Unterhaltung als auch der Belehrung dient. Wie Sellars und Currentzis haben sich auch Pountney und Bicket dafür entschieden, ihr Material sowohl mit weltlichen Oden als auch mit sakraler Musik anzureichern, darunter die Hymne "Hear my Prayer, O Lord", und so ihrer Unterhaltung Tiefe und Struktur zu verleihen. Das Ergebnis ist zugegebenermaßen ein Mischmasch (Pasticcio), aber gleichzeitig eine wirklich kreative Neuinterpretation einer historischen Form des Volkstheaters für die Gegenwart.
Masque of Might und The Indian Queen sind vielleicht nicht die abendfüllenden Opern, die Purcell nie komponiert hat, aber sie geben einen erstaunlichen Einblick in die mögliche Entwicklung des englischen Musiktheaters, wenn es nicht durch seinen frühen Tod und die Vorliebe Hannovers für den Import italienischer Vorbilder gebremst worden wäre. Es dauerte 250 Jahre, um mit Peter Grimes den Anschluss wieder zu finden.
Mit freundlicher Genehmigung des Opera-Magazins. Der Artikel erschien erstmals in der Oktober 2023-Ausgabe.
